Les conférences au DomaineM
/ « Les Phares »
Octobre 2017 – décembre 2023

« Bien que l’homme s’inquiète en vain, cependant il marche dans l’image », Saint Augustin, De Trinitate.

Inaugurés dès l’ouverture de la résidence, les programmes de conférences d’histoire de l’art donnés par le DomaineM -installé en milieu rural- visent à construire un savoir partagé où l’approche des oeuvres et des parcours de création est indissociable d’une pensée du monde et du souhait d’y intervenir. A la manière d’une « université populaire des campagnes » ces ouvertures sur l’histoire culturelle et l’art contemporain rétablissent des continuités tout en proposant des interprétations en phase avec les réflexions actuelles portant sur l’art, l’image et les pratiques de création en tant qu’elles fabriquent du réel . S’y exerce une parole démonstrative, sans jargon, soucieuse de partage, ouverte au débat. Ces conférences, dans et hors-les murs, rassemblent plus d’un millier d’auditeurs et d’auditrices chaque année.

Au DomaineM à Cérilly : conférences d’1 heure 1/2. Entrée et participation libres. Le dimanche de 16h30 à 18h, selon agenda.

La conférence sur Joan Miro, la vingt-troisième du cycle « Les Phares », clôture provisoirement celui-ci. Un nouveau programme, en quatre séances, intitulé « Chefs-d’oeuvre de l’art européen (XIVe-XVIIIe siècles). Expériences, espaces, figurations » sera présenté durant l’année 2024. Première conférence le dimanche 10 mars 2024 : « Chefs-d’oeuvre de l’art siennois et florentins (XIVe-XVe siècles). Duccio, Giotto, Filippo Lippi, Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli, Sandro Botticelli ».
Vu l’affluence il est prudent de réserver: ledomainem@gmail.com

Conférencier permanent:  Michel Cegarra, directeur artistique du DomaineM (diplôme de l’Ecole des Beaux-Arts, études de littérature, d’art et de philosophie, agrégation d’arts plastiques, ancien directeur du Département des Arts plastiques à l’Université Charles de Gaulle – Lille III où il enseignait l’histoire de l’art).

Argument : « Les Phares » est le quatrième programme de conférences donné au DomaineM. En croisant les savoirs, l’opus de chaque artiste est ressaisi dans ses constituants plastiques et son ouverture sémantique, replacé dans son époque et interrogé à partir de la nôtre. D’utiles enseignements sont dégagés pour appréhender notre histoire culturelle collective, ses nécessaires relectures et ses enjeux actuels. « Articuler historiquement le passé ne signifie pas le connaître ‘tel qu’il a été effectivement’, mais bien plutôt devenir maître d’un souvenir tel qu’il brille à l’instant d’un péril. (…) Le péril menace tout aussi bien l’existence de la tradition que ceux qui la reçoivent. (…) A chaque époque il faut tenter d’arracher derechef la tradition au conformisme qui veut s’emparer d’elle », Walter Benjamin, Thèses sur le concept d’histoire, février 1940 (thèse VI).

Rogier Van der Weyden (XVe siècle). La peinture incarnée.
15 octobre 2017

Les « Primitifs flamands », si mal dénommés, auront assurément représentés au XVe siècle l’autre scène de l’art, en contrepoint à celle de Florence. Parmi ces artistes, Rogier van der Weyden (1400-1464) – « Magistro Rogero pictore nobilissimo » comme le présente en 1461 l’ambassadeur milanais en Bourgogne, Prospero da Camogli – inaugure une mutation capitale de l’art. Dans le grand silence d’un monde médiéval en voie d’achèvement, le maître et son atelier de Bruxelles libèrent le pouvoir d’incarnation de la peinture. Le corps, la blessure, les larmes, la chair, les affects surgissent alors comme autant d’actes d’image inouïs. Aujourd’hui encore, la rencontre avec ces oeuvres dispersées dans des musées, suscite en nous une expérience émotionnelle sans nom. 

Michel-Ange (XVIe siècle). L’art peut-il sauver le monde?
17 décembre 2017

La lecture romantique de Michel-Ange, mettant l’accent sur le caractère ombrageux d’un génie solitaire et sur une oeuvre démesurée voire inatteignable, défiant la mesure et l’interprétation, nous aura longtemps tenus à l’écart d’une approche esthétique articulée à l’époque, ce XVIe siècle si tourmenté, écartelé entre désir d’élévation (la « Plénitude des Temps ») et traversée des effondrements. Michel-Ange est bien l’artiste de la bascule du monde, dont il témoigne avec une ferveur éthique peu commune. Sa vision organique de la création, sa pensée plastique du corps comme lieu de l’Histoire et de l’art comme territoire unique du salut de l’être, nous révèlent la dimension incandescente d’une oeuvre où le monde est sommé de se prendre en charge et l’homme de s’accomplir dans cet effort : « Mon espoir monte aux nues » écrivait Michel-Ange dans un sonnet.

Velázquez (XVIIe siècle). Pouvoirs et pensée de la peinture.
4 février 2018

Sans doute le prisme italien ou l’art hollandais ont-ils longtemps éclipsé en France le siècle d’or espagnol et celui qu’Edouard Manet devait qualifier de « peintre des peintres »: Diego Velazquez. L’appartenance de l’artiste à ce complexe XVIIe siècle, traversé de crises et de guerres, où s’élaborent les grands Etats modernes, qui plus est sa présence durant près de quarante ans au coeur du pouvoir espagnol, devaient en faire un observateur privilégié des contrastes de l’âge classique. La facture déliée de Velazquez, son « coup de pinceau enlevé » – comme on a pu dire – sont au service d’une exploration fascinante de l’être humain, de la gravité de sa présence au monde et de l’incertitude permanente de sa destinée. Cette acuité de l’artiste (l’agudeza de son contemporain Baltasar Gracian) le conduira à libérer les pouvoirs de la  peinture en l’instituant comme travail d’une pensée soucieuse de définir le monde des apparences et les limites de la représentation. « La densité de la pensée doit être aussi raffinée que la forme », écrivait Baltasar Gracian dans son Criticon. 

Delacroix (XIXe siècle). Le Sujet dans l’Histoire.
8 avril 2018

Une importante exposition rétrospective consacrée à Delacroix est présentée au Louvre du 29 mars au 23 juillet 2018. A l’évidence, le temps est venu pour la relecture d’une oeuvre complexe, novatrice et risquée, qui ouvrait l’époque de la Modernité. Si l’étiquette du « Romantisme » ne parvient plus à délimiter cette oeuvre fièvreuse c’est parce que celle-ci saisit véritablement la mesure de l’époque nouvelle et prend en charge la quête douloureuse d’une place dans l’Histoire pour l’homme moderne. Alors que la raison historique (Hegel, Auguste Comte…) établit ses prérogatives et que l’impérialisme entame son grand déploiement à travers le monde, l’insertion de l’art dans l’histoire et de l’oeuvre dans la vie culturelle des peuples exigent la transformation des pratiques et un souci de l’image nouveau et en alerte. Eugène Delacroix sera l’artiste de cette transition. A sa mort en 1863 –  année du Salon des  Refusés  – la présence conjointe au Père Lachaise de Baudelaire, de Manet et du photographe Nadar, signe bien le statut de « veilleur » de l’artiste.

Pablo Picasso (XXe siècle). La peinture comme Drame ».
6 mai 2018

On a pu dire du XXe siècle qu’il était « le siècle de Picasso». Quarante-cinq ans après la mort de cet acteur central de la Modernité, et alors que nous vivons dans une temporalité nouvelle, sans doute est-il devenu légitime de revenir vers cette oeuvre-monde pour en proposer une lecture d’ensemble. Tour à tour Pierrot, fétiche aux yeux vides, faune, Minotaure, artiste militant, ombre menaçante, grand Causeur, érotomane, Grec ancien et vieillard ébloui, Picasso -pour qui le tableau était « une somme de destructions »-  aura constamment cherché une voie personnelle où la forme de vie de l’artiste, sa singularité solaire, son exaltation du désir, puissent trouver leur incarnation dans l’acte d’image A cet égard, il est peu d’oeuvre en vérité qui ait autant contribué à la double réconciliation de l’art avec la joie de vivre et de la société avec l’art et les artistes.

Sandro Botticelli (XVe siècle). Les mythologies contre l’Histoire.
14 octobre 2018

Botticelli semble bien être devenu une « icône » de la post-modernité pour touristes pressés, le promoteur (croit-on) d’une imagerie de surface, s’offrant complaisamment comme un objet de séduction. Sa présence dans l’histoire, dans cette ville aux avant-postes qu’aura représenté la Florence du Quattrocento, constitue pourtant un fait majeur. L’artiste prend la mesure de la conscience de soi humaniste et reconfigure les récits théologiques. Son style de la Venustà (la grâce) installe les ryhmes du corps comme une danse contre le temps de l’Histoire, cette bassa danza si présente à la cour des Médicis et si visible dans le mouvement des corps des grandes oeuvres de Botticelli. Sa recherche fiévreuse -qui le conduit aux portes du Maniérisme-, répudiant la vision et l’effroi médiévaux, délimite dès lors le souhait de l’uomo unico de disposer du monde en toute innocence. 

Le Tintoret (XVIe siècle). Le mouvement des images.
16 décembre 2018

De cette Venise du XVIe siècle – Sérénissime République autrefois batailleuse, s’attachant désormais à bâtir un « parfait gouvernement » où les arts devaient jouer un rôle de premier plan – on aura parfois réduit les questions artistiques aux rivalités entre artistes et notamment au trio du « Bon » (Titien), de la « Brute » (Tintoret) et du « Truand » (Véronèse). Energie, vitesse, discontinuité : le style de Tintoret témoigna rapidement d’une conscience aïgue des pouvoirs de la peinture. Voici un « pittore de maniera » qui conduit le Maniérisme à ses plus extrèmes possibilités, produisant en permanence le conflit de l’espace dilaté et de l’espace contraint, brisant le cadre en y travaillant le modelé de la vision, la torsion vivante des corps, pratiquant d’incessantes ruptures d’échelle qui donnent à voir le mouvement insaisissable des images, si semblable dès lors à la pensée elle-même.

Rembrandt (XVIIe siècle). La pensée du séjour de l’homme.
3 février 2019

« Le drame naturel et vivant, le drame terrible et mélancolique »: la formule de Baudelaire (Salon de 1846) à propos de Rembrandt est connue. Elle a contribué à sceller la voix de la postérité sur l’artiste de Leyde dont l’oeuvre accompagne la modernité comme son ombre. Si le dispositif du « portrait de groupe » est reconfiguré chez lui comme espace théâtral et matière de pensée, c’est pour le tenir à l’écart des célébrations de l’intime, où l’être -qui demeure comme une lueur dans la nuit- dispose désormais d’un temps qui n’est plus celui du monde. La cinquantaine d’autoportraits peints qui subsistent de l’artiste, couvrant plus de 40 années, témoignent, dans la lentille du temps, d’une vie en art comme désir inassouvi.

Vincent van Gogh (XIXe siècle). L’être et l’oeuvre.
7 avril 2019

Une vie en peinture marquée par la brièveté (8 ans et 7 mois) et la fulgurance (près de 900 peintures et un millier de dessins), une solitude teintée de désespoir, une mort brutale à l’âge de 37 ans : le nom de van Gogh a fini par identifier une part essentielle de l’art moderne conçu comme lieu d’un « drame vécu dans la souffrance ». Mais l’oeuvre témoigne aussi, et peut-être essentiellement, de la présence permanente des forces de la vie et de l’unité organique de l’être et du monde. La puissance incandescente des paysages de van Gogh, l’incomparable présence de ses autoportraits, la capacité de l’artiste à restaurer la chair même des choses, traduisent à l’évidence le rôle historique joué par van Gogh dans la construction de nos perceptions du réel et dans la reconnaissance de l’émotion comme accès au monde. 

Henri Matisse (XXe siècle). Les ruses de la peinture.
5 mai 2019

« Nous cherchions un maître, mais nous ne l’avons pas trouvé », s’exclamait Matisse au début du XXe siècle, témoignant par là de la situation historique particulière où se trouva toute une génération. L’oeuvre de Matisse – qui a finie par être identifiée à « l’art moderne » lui-même – ne peut être aisémenr enfermée dans un style s’apparentant à la « violence décorative » (Eric de Chassey), tant elle est traversée de part en part par des élans contradictoires entre la ligne et le plan, la forme et la couleur, la chair et l’esprit, le monde visible et les signes plastiques qui en rendent compte sans pour autant le représenter. Constamment, la double tentation du monochrome charnel et de l’image effacée souligne, dans cette oeuvre, la présence permanente du désir et le rêve d’une autre vie vécue, hors de la raison picturale, à la fois comme un impossible et comme une perte définitive.

Jan Van Eyck (XVe siècle). Le monde ou rien.
13 octobre 2019

« L’homme se voit dans le miroir dont le tableau vient prendre la place » : telle est la brève et brillante description de L’Homme au turban rouge – probable autoportrait de l’artiste – par Hans Belting. Né vers 1390 et décédé en 1441, Jan van Eyck, longtemps considéré, à tort, comme l’inventeur de la peinture à l’huile (la « nouvelle invention à l’huile de lin », novum inventum oleo linaceo) témoigne surtout d’une transformation radicale du regard sur le monde. Celui-ci, saisi par la peinture comme une totalité complexe mais unifiée de signes emboîtés, ne peut devenir le lieu du séjour de l’homme et de sa conscience qu’en s’exposant dans sa plus complète lisibilité. Le vertige qui s’empare alors du spectateur moderne devant les peintures de Van Eyk, raconte ce qu’il est depuis lors advenu du temps, des signes, du monde et de notre place dans le réel. 

Piero della Francesca (XVe siècle). La mise en ordre de la réalité.
15 décembre 2019

Issu d’une cité de la Toscane orientale encore plongée dans le monde du gothique tardif, et d’une famille de marchands qui lui assure de bonnes études en grammaire, mais aussi en calcul, algèbre et géométrie avec un maestro d’abaco, Piero della Francesca va se lier très tôt avec les artistes novateurs de son temps. Son vif intérêt pour la perspective – sur laquelle il écrira plusieurs traités – et son activité publique, jusqu’à sa mort, au sein du conseil communal de sa ville, semblent constituer les deux faces d’une même conception du monde selon laquelle la réalité nécessite d’être mise en ordre pour être pensée et habitée. Le grand silence et l’imperturbable immobilité des figures peintes par l’artiste mettent en jeu, en permanence, ce que Christian Garcin nommait « le refus d’une temporalité non assujettie à la conscience ». Le monde pictural de Piero della Francesca nous lègue de la sorte un message d’actualité.

Caravage (XVIIe siècle). La chair et l’instant.
2 février 2020

Redécouvert au début du XXe siècle par Roberto Longhi, après deux siècles d’oubli, Caravage parut après-coup incarner au plus juste un état de la conscience européenne identifié par le Baroque. Sa peinture, engloutie dans des ténèbres ponctuées de lumière, célèbre en permanence le tragique d’une existence humaine où tout semble joué d’avance. Présenté abondamment comme le maître du clair-obscur, il demeure l’artiste ayant posé le plus abruptement l’obsédante question de la chair. Plaisir et souffrance mêlés, source de joie comme d’accablement, la chair, pour l’artiste, ne rayonne que dans l’instant, comme la vie qu’elle seule représente. Jusqu’au bout, Caravage n’aura eu de cesse, dans sa peinture, de confronter sa propre vie décousue et accélérée à cet impossible acmé. 

Caspar David Friedrich (XIXe siècle). Solitude de l’être, éloignement du monde. 18 octobre 2020.

Quelque chose a lieu dans la peinture de Friedrich, en cette époque des Lumières où bascule l’histoire. Quelque chose comme une crise du sujet ou de sa conscience, dont témoigneraient simultanément le sentiment de solitude et celui de l’éloignement du monde. Les dispositifs massifs de l’histoire sont ici comme anéantis par une peinture soucieuse de vide, de silence et de relation personnelle avec la nature. Une autre part du contrat social commence alors à s’écrire : « Il se peut que l’art soit un jeu, mais c’est un jeu sérieux » (Friedrich). 

Edgar Degas (XIXe siècle). Les dispositifs du regard, un projet moderne. 17 octobre 2021

Observateur précis et désabusé du spectacle moderne, Edgar Degas participe d’une époque nouvelle où l’expérience commune du monde se trouve brutalement reconfigurée et accélérée par la photographie (1839), puis le cinématographe (1895). Inventeur du regard « en mouvement » et du point de vue subjectif, l’artiste est confronté à ces nouveaux médiums pour lesquels le réel, échappant à la conscience, se développe dans une incompréhensible extériorité radicale. Dès lors – des champs de course et de l’opéra comme laboratoires perceptifs, aux dispositifs des femmes à leur toilette – la peinture de Degas témoigne autant d’un affolement des certitudes que du désir d’un retour à la plénitude de l’expérience humaine directe. 

Giotto (1266-1337). Les signes et les lieux.
27 février 2022

Avec un caillon pointu sur une pierre plate, un petit berger de Toscane dessine avec assurance une des brebis de son troupeau. Un célèbre  artiste de cette fin du XIIIe siècle passe à cheval et décide d’accueillir  l’enfant dans son atelier. Le vieux récit est rapporté par Vasari : Giotto allait « changer l’art de peindre pour le traduire en moderne ». De fait, au nom de Giotto est attachée l’invention d’un lieu pour l’homme, dans un monde alors saturé par le divin. A la profondeur devaient dorénavant s’incorporer des figures interprétant des scènes et des récits, mais aussi des ensembles de signes où l’homme témoignait de sa liberté et de sa conscience. Aujourd’hui encore, cette exploration des signes et des lieux disponibles pour l’homme traverse les recherches des artistes contemporains. 

Johannes Vermeer (1632-1675), une chambre à soi.
8 mai 2022

Redécouvert tardivement en 1860, auteur d’une oeuvre réduite (35 tableaux sur, sans doute, une cinquantaine), Vermeer n’aura cessé depuis lors de fasciner de manière universelle. Au-delà d’une époque, de ses moeurs, costumes et décors, cet artiste continue à troubler en raison précisément de l’étrangeté de ses scènes mutiques pour lesquelles semblent coexister des récits absents et des interprétations suspendues. Moins le sens que son attente, moins l’évènement que les silences intérieurs qui l’accompagnent, et, certainement : moins la pensée qu’une sorte de disponibilité à vivre dans un présent définitif. Et si la « chambre à soi » de Vermeer, construite et reconstruite incessamment, témoignait avant tout non pour une expérience mais pour le simple et limpide sens de la vie que rien ne peut contredire ?

Francis Picabia (1879-1953), « Prenez garde à la peinture ! ».
16 octobre 2022

Artiste-Arlequin insaisissable, multipliant styles et inventions, brouillant références et appropriations, Francis Picabia aura traversé la modernité avec une indifférence créatrice envers les effets de mode et les attentes du marché. Amoureux de l’art antique et médiéval, amateur de magazines grivois et de cartes postales « légères », il ne croyait pas en une oeuvre universelle, surplombante, et considérait les limites de sa propre existence comme une barrière infranchissable. « La seule peinture qui me plaise, dira-t-il, c’est la peinture d’inutilité publique, celle qui représente la vie ». Aussi chercha -t-il, par dessus-tout, à exister, par les images et les mots, quitte à se dérober en permanence face au « projet » et à risquer ainsi la mort de ce qu’il savait faire « comme seule possibilité de survie », pour reprendre une formule de Jean-Luc Godard* auquel Picabia fait parfois penser. 

* « J’essaie de risquer la mort de ce que je sais faire comme la seule possibilité de survie » (Jean-Luc Godard, Nouvel Observateur, 1980).    

Andrea Mantegna (1431-1506). Vivre parmi les ruines.
11 décembre 2022.

Placé comme apprenti à onze ans chez un maître de Padoue -qui adopte l’enfant-, reconnu comme « pictor » (peintre) dès l’âge de quinze ans, collectionneur de statues et fragments architecturaux antiques, Mantegna se percevait sans doute comme l’ultime dépositaire des âges anciens d’Athènes et de Rome. La gravité silencieuse de ses figures, le sentiment de l’inéluctabilité qui les anime, la minéralisation de ses paysages, parsemés de ruines et de carrières de pierre : tout indique que Mantegna ne croyait pas en un monde meilleur, bâti sur des ruines. Dans notre aujourd’hui si malmené, sa peinture âpre, implacable, ainsi que sa haute conscience de l’absence de destin pour l’homme, nous frappent encore jusqu’au vertige.

Francisco de Goya (1746-1828). Le vertige du témoin.
12 mars 2023.

On aura surinterprêté les deux épisodes dépressifs traversés douloureusement par Goya – en 1792-1793 et en 1819 – pour y chercher les signes mêmes de sa pratique picturale marquée par l’ironie et l’angoisse. Mais, dès les fameuses années « de l’expérience vitale » (comme on a pu dire) passées à produire des cartons de tapisserie pour la manufacture royale, de ses 29 ans à ses 46 ans, l’artiste témoigne d’une ambition personnelle affirmant, avec la liberté de la touche, une conscience aigüe des contradictions du réel. Plongé à l’intersection violente de deux époques, que des historiens espagnols présentent comme « el crepùsculo del Siglo de las Luces » (le crépuscule du siècle des Lumières), Goya affronta l’impossible de son temps, dans ses déchirures insoutenables. Sa haute conscience et sa probité d’artiste lui dictèrent d’assumer, jusqu’au vertige, la terrible et invivable place du témoin.

Paul Klee (1879-1940). La pensée créatrice.
30 avril 2023.

Le « livre ouvert » de Paul Klee, encore vibrant de l’arbre dont il procède, inscrit – à partir de lointains bourgeons – un battement ininterrompu, un dépliage du monde qui pourrait bien désigner l’acte créateur même de l’artiste selon Paul Klee. Aucune oeuvre de la modernité n’aura cherché à ce point à s’installer au coeur même du vivant afin  d’en saisir les multiples ramifications et les interminables flux. Des astres aux croissances végétales, des figures multiples des écoulements (de la sève aux larmes), aux nombreux signes par lesquels les êtres vivants s’expriment (la musique, la danse, l’écriture…) : l’artiste, selon Paul Klee, « ne vise pas une image finie » mais la restitution de  « la création comme genèse ».

Pieter Bruegel l’Ancien (vers 1525-1530 – 1569). Les saisons du monde et l’homme du commun.
15 octobre 2023.

Vivant en un siècle violent – traversé de fractures et de conflits religieux -, l’homme Bruegel n’aura vécu qu’une quarantaine d’années. A la fois au plus près du grand foyer actif de la Renaissance du nord, Anvers, au contact des érudits et des humanistes, mais aussi profondément enraciné dans les terres et villages brabançons des Anciens Pays-Bas. C’est ce monde paysan que Bruegel érigera en cosmos absolu, où les rythmes du temps et l’intarissable désir de vivre suffisaient amplement à sauver l’humanité du chaos.   

Joan Miro (1893-1983). Logique des constellations. 10 décembre 2023.

L’aventure singulière et solitaire de l’artiste Joan Miro au sein de l’art moderne aura toujours posé un problème aux amateurs d’une histoire linéaire des « avant-gardes ». Où placer Miro ? Merveilleux fabuliste d’un monde paysan catalan, inventeur du « poème pictural » et des calligraphies nocturnes, créateur infatigable de signes colorés investissant jusqu’au bleu-Méditerranée des monochromes : Joan Miro aura restauré le bonheur d’une création issue d’un langage universel où les plantes, les oiseaux, les escargots et les étoiles dialoguent avec l’homme et la femme sous le règne des constellations.

Argument : « Les Phares » est le quatrième programme de conférences donné au DomaineM. En croisant les savoirs, l’opus de chaque artiste est ressaisi dans ses constituants plastiques et son ouverture sémantique, replacé dans son époque et interrogé à partir de la nôtre. D’utiles enseignements sont dégagés pour appréhender notre histoire culturelle collective, ses nécessaires relectures et ses enjeux actuels.

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« Articuler historiquement le passé ne signifie pas le connaître ‘tel qu’il a été effectivement’, mais bien plutôt devenir maître d’un souvenir tel qu’il brille à l’instant d’un péril. (…) Le péril menace tout aussi bien l’existence de la tradition que ceux qui la reçoivent. (…) A chaque époque il faut tenter d’arracher derechef la tradition au conformisme qui veut s’emparer d’elle », Walter Benjamin, Thèses sur le concept d’histoire, février 1940 (thèse VI).